TESSERE MEMORIA. NEL FIORIRE DEL GIorno
10.05.2025 - 14.06.2025 | Galleria Zamagni | Rimini, Italy
EN
A group exhibition curated by Livia Savorelli
The exhibition will be held between 10 May 2025 and 14 June 2025 in Rimini, Italy. The "Tessere memoria. Nel fiorire del giorno" will open on Saturday 10 May 2025 at 5:30 pm at Galleria Zamagni, via Dante Alighieri, 29-31 47921, Rimini, Italy.
Contacts:
+39 335 70 16 352
info@zamagniarte.it
www.zamagniarte.it
IT
Rimini – C’è un filo sottile, tenace e luminoso che unisce generazioni di donne: è la memoria. Una memoria che si fa gesto, ricordo, visione. È da questo intreccio delicato ma potente che nasce "Tessere memoria. Nel fiorire del giorno", una mostra che celebra l’essenza femminile nella sua capacità di adattamento, resistenza e rinascita.
Nel cuore del progetto, curato da Livia Savorelli, si cela un atto di sovversione gentile: restituire al fiore – troppo spesso usato per definire la donna solo nella sua bellezza o fragilità – il suo significato più profondo.
Seguendo le parole di Emily Dickinson, “essere fiore è una profonda responsabilità”, la mostra invita a riscoprire lo sbocciare non come ornamento, ma come gesto di coraggio. Manifestarsi al mondo, come fa il fiore al sole, è per la donna un atto carico di forza, tenacia e dolce ostinazione. Tra tessuti di memoria e tracce di quotidianità, l’esposizione negli spazi di Galleria Zamagni ci accompagna lungo un percorso di opere fatto di piccoli gesti, rituali domestici e ricordi familiari che, nel loro silenzio, parlano di tutte noi.
“Tessere memoria. Nel fiorire del giorno nasce come un omaggio profondo e sentito all’universo femminile. Il progetto vuole superare l’immagine stereotipata che associa la figura femminile al fiore, riducendolo spesso a simbolo di sola bellezza o fragilità. In questa mostra, il fiore diventa metafora dell’esistenza femminile, della sua capacità di aprirsi al mondo pur nella complessità, adattandosi come fa Madre Natura, senza mai perdere forza e dignità. Abbracciando il pensiero di Emily Dickinson, ho voluto raccontare lo sbocciare come atto di consapevolezza, un percorso spesso impervio in cui emergono le qualità più autentiche dell’animo femminile: la tenacia, la resistenza, la flessibilità di chi si piega ma non si spezza. In queste opere, il ricordo si fa gesto, il gesto diventa testimonianza, e ogni testimonianza è un nuovo sbocciare”. Livia Savorelli
UNITY IN DIVERSITY
26.04.2025 - 13.05.2025
Shanghai Powerlong Museum Hall No.7 | Shanghai, China
EN
Winners and SENS Gallery are pleased to announce the gallery’s participation at the Powerlong Art Center - "Unity in Diversity" Group Exhibition, taking place at the Shanghai Powerlong Museum Hall No.7 from April 26, 2025, to May 13, 2025, the gallery will feature a curated selection of works from 22 artists hailing from the gallery’s international, cross-disciplinary roster, including the work of Alexander Appleby, Andy Dixon, Anzhelika Lebedeva, Andreas Werner, Bart Kok, Cheng Chengyi, David Surman, Elinborg Jóhannesdóttir Ostermann, Emily Pope, Geng Tanjulang, Hans Kupelwieser, He Yunchang, Jess Xiaoyi Han, Jordi Pintó, Kristinn Már Palmarson, Li Erpeng, Lourdes Navarro, Orian Williams, Thelma Herzl, Vance, Zhang Qingzhu, Zhou Song.
Address: 3055 Caobao Road, Minhang District, Shanghai, China
Contacts:
info@sensgallery.com
To Tips of The Rabbit's Fur
28.12.2024 - 08.02.2025
11 Contemporary Art Center | Shenzhen, China
EN
The 11 Contemporary Art Center is pleased to announce the New Year's Eve group exhibition entitled To Tips of The Rabbit's Fur , showcasing works by seven distinguished artists: Yishi, Jenya Datsko, Monika Marchewka, Hanna Kim, Anzhelika Lebedeva, Beatriz Santos, and Cen Chen. The exhibition is scheduled to officially commence on December 28, 2024.
A magician pulling a rabbit suddenly from an ostensibly empty hat often leaves young children in awe. Due to their limited understanding of the underlying principles, children often express a strong desire to unravel the mystery. However, as they mature, adults become accustomed to the magician's tricks, losing their sense of wonder. Life is akin to the rabbits pulled from the magician's hat in the cosmic realm, a vast and intricate existence. Humans are an integral part of this complex entity, born at the tips of the rabbit's fur, striving to comprehend the entire enigma with newly opened eyes, marveling at the astounding magic. However, the tips are fragile and perilous, and as individuals age, they tend to retreat into the soft, comfortable fur. They come to accept their current lives and live contentedly within the warm fur, reluctant to face the risks of returning to the precarious tips.
The world is replete with uncertainties and is in a constant state of flux. Mythical imaginations, religious interpretations, and modern technological systems reflect humanity's quest to understand the origins of life and explore the unknown. The Greek philosopher Democritus posited that nothing arises from nothing and that there must be a fundamental unit from which everything else is composed. Driven by their curiosity about external changes, some individuals avoid becoming overly comfortable with their current lifestyles. They courageously engage with the world, channeling their energy through exploration and experimentation, thereby realizing the significance of their existence. The female artists featured in this exhibition come from diverse backgrounds. They explore life through varied painting practices, focusing on themes of existence and connection, and continuously reflect on their relationship with the world. These artists boldly capture and display emotions such as longing, anxiety, vulnerability, fear, and loneliness, conveying that change is inevitable. They emphasize that keen curiosity, fiery courage, and a serene mindset are essential for leaving the comfort zone and returning to the precarious tips of the wobbling rabbit's fur.
Address: 11F, Buji Cultural and Sports Center, Longgang District, Shenzhen, China
Contacts:
info@11artcenter.com
＋0086 755 84535804
THROUGH TIMELESS SPACES
15.06.2024 - 06.07.2024
SENS Gallery | Hong Kong
EN
SENS Gallery is pleased to announce “Through Timeless Spaces”, a duo exhibition featuring works by Chinese artist Teng Tian and Russian-Italian artist Anzhelika Lebedeva. Running from 15th June to 6th July 2024, the exhibition is a presentation that brings viewers into a tranquil stillness of life. The show will mark both artists’ first time showcasing their talents in Hong Kong.
Address: 1908 Landmark South, Wong Chuk Hang, Hong Kong.
Contacts:
info@sensgallery.com
Unknown figures lurk from the other side of the doorway, standing prominent in the pastel work of Anzhelika Lebedeva. In her blurred interior spaces, carefully centred around open doors and entrances, Lebedeva highlights the concept of presence within emptiness in her Stanza series. Like a shot from a photograph, these figures are omnipresent – although standing eternally still within these confined spaces, their presence is simultaneously dynamic, through the blurry movements as they either move on the spot, or to other directions within their periphery.
Lebedeva’s practice examines individuals and their interactions with the space that surrounds them, presenting a scene where the distinct and the subtle coexist. These realms are borne from her preference in utilising soft pastel as a medium– its versatile ability to blend and layer, creates a soft texture on the canvas to emphasise blurred movements and create a sense of warmth and comfort. These qualities of pastel allows Lebedeva’s scenes to integrate both artwork and the observer to a closer understanding.
In Teng Tian’s oil paintings, hands are an oxymoron – suspended in motion, yet they are in movement. In her small scale photorealistic paintings, as part of her Interact series, Teng examines the role of the hand as a form of communication. In its simple nature, it enables us to pose, to touch, to gesticulate – forming actions and reveal feelings that can shape the present and the future. They are the nucleus of Teng’s compositions, identified as a result of her observations on the miniscule characteristics of individuals, spaces, and objects she has interacted with in her life.
Teng’s practice has shifted from meticulous brushwork to bolder strokes, complemented with vibrant colours and a distinct use of light and shadow to create work that reminisces photography. Teng interprets her surroundings with a subtle nuance that distinguishes her paintings from photography, encouraging the viewer to recognise these features to reflect on the nirvana of the everyday life.
The exhibition ‘Through Timeless Spaces’ is a dialogue between two artists, illustrating the endless presence of life in spaces unbounded by time and space conjured with feelings of solace and comfort. The exhibition brings closer the connection between both artwork and viewer, inviting to see themselves within these spaces to contemplate about the past, the present, and the future.
06.04.2024 - 27.04.2024
&Gallery | Edinburgh, UK
EN
A group show of thirty-eight artists working in a range of disciplines from across the globe.
The exhibition will be held between 06 April 2024 and 27 April 2024 from Tuesday through Friday 10am to 5pm, Saturday 10am to 4pm at &Gallery, 3 Dundas Street, Edinburgh, EH3 6QG
Contacts:
info@andgallery.co.uk
+44 (0) 131 467 0618
Artists Include:
Alan Shipway, Alastair Gordon, Alejandro Javaloyas, Anzhelika Lebedeva, Árpád Forgó, Beth Shapeero, Charlott Rodgers, Chris Sleath, Cristina Fontsare, David Lemm, Dennis Konijnenburg, Eleanor Wood, Gwenllian Vaughan, Hildegard Pax, Joanna Kessel, Jonathan Phillips, Josefina Isaza, Karen Loader, Karen Stamper, Katharine Le Hardy, Kathryn Hanna, Laurien Renckens, Leonieke Kormelink, Louisa Boyd, Michele Bianco, Nina Gerada, Paul Snell, Peter Bingham, Rachel Peters, Richard Perry, Rick Johns, Rosalind Lawless, Shawn Stipling, Silvia De Marchi, Stephan Ehrenhofer, Susan Phillips, Susan Simonini and Tom Henderson.
ABITARE
30.07.2023 - 03.09.2023
/F urbä/ | Guardiagrele (CH), Italy
EN
Anzhelika Lebedeva's solo exhibition, curated by Simone Marsibilio.
The exhibition will be held between 30 July 2023 and 03 September 2023 from Saturday through Sunday 11:00am-1pm 5:00-8:00 pm at the /F urbä/, 145 Via Tripio in Guardiagrele (CH), Italy.
The exhibition "ABITARE" featuring Anzhelika Lebedeva's works will open on Sunday 30 July 2023 at 5pm at the /F urbä/, 145 Via Tripio in Guardiagrele (CH), Italy.
Contacts:
simonemarsibilio@gmail.com
+39 328 69 59 165
XX BIENNALE CITTA DI PENNE
TRA L'ESTETICO E IL POLITICO
20.05.2023 - 20.06.2023
Fondazione Musap | Penne (PE), Italy
EN
A group exhibition curated by Antonio Zimarino and Chiara di Carlo
The exhibition will be held between 20 May 2023 and 20 June 2023 from Friday through Sunday 10:00 am-1:00 pm, 4:00 pm-8:00 pm in Penne (PE), Italy: Auditorium San Giovanni Evangelista, Largo S. Giovanni Evangelista, 121; Museo Archeologico Civico-Diocesano "G.B. Leopardi", Piazza Duomo, 8; MAMeC Museo d'Arte Moderna e Contemporanea, Via Muzio Pansa, 37; Archivio Nato Frascà - Spazio Inangolo, Largo S. Giovanni Battista, 1
The XX BIENNALE CITTA DI PENNE will open on Saturday 20 May 2023 at 5:30 pm at the Sala Consiliare Comune di Penne, Piazza Luca Da Penne, 1, Penne (PE), Italy.
IT
La Biennale di Penne possiede una tradizione storico artistica quasi settantenaria: nata sul finire degli anni cinquanta per principale iniziativa di Remo Brindisi (1918-1996) come mostra di arti figurative, si trasforma a distanza di dieci anni in premio regionale con l’intenzione di documentare l’opera del territorio senza limitazioni d’indirizzi o tendenze artistiche, con la prospettiva di aprirsi anche al confronto nazionale. Già alle porte degli anni settanta il carattere sempre più aperto e democratico dell’arte, spinge gli organizzatori ad abbandonare l’aspetto competitivo della rassegna per trasformarla in Mostra Regionale votata alla ricerca contemporanea. Tra i moltissimi nomi di artisti di rilievo che parteciparono ripetutamente spiccano sicuramente quelli di Ettore Spalletti (1940-2019) e Franco Summa (1938-2020) mentre negli anni novanta la manifestazione raggiunge notorietà nazionale con la presenza di artisti come Gilberto Zorio, Valeriano Trubbiani, Eliseo Mattiacci, Costas Varostos. Negli anni duemila l’iniziativa deve di nuovo adeguarsi ai tempi, comprendendo l’approccio sempre più sperimentale e approfondito degli artisti. Per tale motivazione assume il carattere di Biennale, non per riferimento alla grande mostra che si svolge a Venezia, ma per i progetti biennali degli artisti, costruiti cercando il rapporto con lo spazio, con la città e i suoi abitanti, con la complessità del quotidiano e del mondo in quel determinato momento storico.
È proprio su questa dimensione del pensare la realtà nella sua complessità e totalità attraverso l’approfondimento creativo/scientifico, che ci siamo voluti soffermare per questa XX edizione, invitando gli artisti a riflettere sulla dimensione Estetica e Politica dell’opera d’arte, che non è da concepire soltanto come manufatto esteticamente piacevole in sé, ma anche come medium d’espressione capace di veicolare un messaggio di denuncia sociale o qualsiasi altro pensiero che possa arricchire lo spirito e aprire la società al confronto, al dibattito costante, contro l’impoverimento relazionale e la crisi dell’immaginario causata dalla massificazione, nonché la mercificazione del prodotto artistico impossibile da valutare come mero elemento decorativo e di design senza prima averne almeno compreso le capacità di attivatore energetico.
Le opere, infatti, sono onde magnetiche messe a servizio dell’essere umano per una nuova percezione dell’esistenza sempre rinnovata ed originale. In tal senso, pensiamo che la dimensione raccolta ed intima del piccolo centro cittadino di Penne, favorisca lo sviluppo di un pensiero laterale che lasci un segno nella vita personale e collettiva dello spettatore.
Tra gli obiettivi della mostra c’è sicuramente quello di informare e sensibilizzare il pubblico su temi attuali come la guerra, lo sbarco dei migranti sulle coste italiane con le conseguenti morti, o le durissime leggi applicate dal regime della Repubblica Islamica che minacciano la libertà dell’individuo. L’ampio progetto Testimoniare; Condizione Plurale di Zoya Shokoohi, già in parte ospitato presso lo spazio no- profit “La Portineria” di Matteo Innocenti a Firenze, si compone di video e foto di donne sottomesse al patriarcato e di artisti costretti a rimanere nei loro studi perché non possono esporre nelle Gallerie d’Arte del loro paese a causa delle censure; oltre ad un sito web consultabile che ha documentato i primi cento giorni di protesta del popolo iraniano a partire dallo scorso Settembre. Secondo l’artista, tutti gli atti di ribellione messi insieme dalla comunità islamica, sono da leggere come fatti storici utili alla comprensione e allo studio di una situazione, ma anche come atti performativi che agiscono sulla realtà fino a rivoluzionarla.
FOCUS ON PAINTING
11.03.2023 - 04.04.2023
YAG/garage | Pescara, Italy
EN
A group exhibition curated by Ivan D'Alberto
The exhibition will be held between 11 March 2023 and 04 April 2023 from Monday through Friday 3:00-7:00 pm at the YAG/garage, 125 Via Caravaggio in Pescara, Italy.
The exhibition "FOCUS on Painting" will open on Saturday 11 March 2023 at 5:30 pm at the YAG/garage, 125 Via Caravaggio in Pescara, Italy.
IT
Focus on PAINTING | la giovane pittura italiana apre la stagione espositiva 2023 della YAG/garage, galleria d’arte di Pescara. La mostra, attraverso il coinvolgimento di giovani artisti, giovani curatori e giovani collezionisti, offre un approfondimento sulla produzione pittorica di autori di ultima e ultimissima generazione. L’operazione è stata realizzata attraverso una call pubblica rivolta ad artisti che non hanno compiuto i 40 anni di età. I giovani pittori si sono candidati con tre opere. Hanno riposto alla call più di 30 autori operanti in tutta Italia. La selezionate finale è stata ad opera della direzione artistica della YAG/garage. Un lavoro tra quelli presentati per la selezione entrerà a far parte della collezione permanente della galleria pescarese. Gli artisti selezionati sono: Domenico Ruccia, Claudio Valerio, Martina Di Gennaro, Annamaria Natale, Pierpaolo Maria Perrone, Anzhelika Lebedeva, Marco De Leonibus, Yoselin Giovani, Giorgio Bartocci, Giuseppe Raffaele, Giada Rotundo, Francesco Andreozzi, Antonio Gualtieri Paterno, Enrico Pierotti, Andrea Strizzi, Nicholas Tolosa, Prisca Baccaille, Selene Pierini, Alice Mazzei e Antonio Teora. L’appuntamento pescarese è il risultato di un lavoro di ricerca compiuto nell’ultimo anno e mezzo dalla YAG/garage rispetto al ruolo della pittura nel sistema dell’arte contemporanea. Le ultime fiere d’arte nazionali e straniere confermano un forte ritorno a questo linguaggio da parte dei giovani e giovanissimi artisti. Ad esempio l’edizione 2021 di LISTE Art Fair Basel, dedicata alle nuove generazioni di artisti e gallerie che scommettono su di loro ha evidenziato, soprattutto per la sezione solo Projects, un grande ritorno della pittura.
Da sempre Liste si è caratterizzata per progetti innovativi, ma anche piuttosto sperimentali e non semplici da immaginare all’interno delle case dei collezionisti, eppure, l’ultima edizione ha mostrato un forte cambio di rotta. Stesso discorso per l’edizione 2022 del MIART di Milano e di ARTISSIMA di Torino, con una presenza massiccia di giovani pittori. Nel 2022 Arte Fiera Verona da dimostrato che i giovani artisti di oggi sono tornati alla pittura, spesso figurativa. Su 140 stand allestiti dalle gallerie nazionali e internazionali che hanno partecipano all’evento era presente tantissima pittura. Anche a Londra, dove negli stessi giorni di Arte Verona era in scena la Frieze Week, c’era la stessa situazione. Contestualmente basti guardare anche ai lotti delle aste che Christie’s e Sotheby’s per notare tanta pittura, bene o male figurativa. Ed è proprio questa tendenza – riscontrabile sia a livello internazionale che nazionale – che suggerisce di analizzare il fenomeno aldilà del pur plausibile andirivieni di mode e correnti. Quel che emerge è un sentimento diffuso di (eterno) ritorno alla pittura, la quale si riscopre il principale canale di lettura e trascrizione del presente.
KUNST FOR OPEK
7.12.2022
OPEK Openbaar Entrepot voor de Kunsten | Leuven, Belgium
EN
The artwork "The transparent forest turns black" entered to be part of the OPEK art collection within their walls at Vaartkom 4, Leuven, Belgium.
Curated by Amuseevous and Copper&Light
Contact:
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OMBRE
26.11.2022 - 10.12.2022
Spazio Inangolo | Penne (PE), Italy
EN
Anzhelika Lebedeva's solo exhibition, curated by Antonio Zimarino.
The exhibition will be held between 26 November 2022 and 10 December 2022 from Friday through Sunday 6:00-8:00 pm at the Spazio Inangolo, 1 Largo San Giovanni Battista in Penne (PE), Italy.
The exhibition "OMBRE" featuring Anzhelika Lebedeva's works will open on Saturday 26 November 2022 at 6pm at the Spazio Inangolo, 1 Largo San Giovanni Battista, Penne (PE), Italy.
Contacts:
info@inangolo.it
Inangolo.it
IT
Sospendere a volte, tutto.
a cura di Antonio Zimarino
La particolarità strutturale di Spazio InAngolo è quella di consentire al visitatore un’esperienza profondamente intima delle opere che ospita: le sue contenute dimensioni e la sua architettura dispongono al tempo e alla concentrazione, spingono didatticamente e se vogliamo, “spiritualmente” ad un rapporto intimo, attento e profondo con ciò che si mostra e incoraggiano ad un’osservazione e ad un’esperienza che strutturalmente non può essere superficiale.
Le caratteristiche dello spazio si esaltano però quando le opere che vengono accolte hanno la capacità di dialogare con lo spettatore grazie ad una “forma” in grado di sviluppare una “compartecipazione”, una concentrazione che renda possibile andare a sé stessi, sospendendo anche solo per un attimo, le coordinate oggettive di un tempo e di uno spazio. E’ dunque l’opera che può fare la differenza tra il semplice guardare e il profondo percepire, come è il caso di questa vera e propria “installazione” esperienziale che è il lavoro di Anzhelika Lebedeva. Percorrendo brevemente il processo in cui il tutto si dispone (e che probabilmente, mi sbilancio un po’, è lo stesso processo che guida la costruzione dell’opera) forse la questione apparirà più chiara.
Non c’è forma precisa in questi disegni ma c’è corpo e c’è profondità. Non c’è un immagine chiaramente definibile ma si colgono strutture “naturali”, forse caverne, canyon, cascate, torrenti, sentieri. Non c’è “colore” ma c’è una continua differenziazione di toni e luci capace di costruire una particolare dinamica dello sguardo chiamato a “registrare” le profondità differenti sulla piccola superficie. Il colore nero è a tratti “denso”, a tratti meno, ma non caratterizza l’immagine in modo tragico; l’alternarsi continuo di intensità del nero impegna, genera tensione, costringe lo sguardo a restare a lungo in uno spazio poco esteso in larghezza che diventa, esattamente per queste diverse intensità, molto esteso in profondità.
Visti a distanza, questi disegni potrebbero apparire forme create dal “gesto”, da una dinamica “psichica” istintuale ma è proprio l’attenzione all’intensità del segno e al rapporto con la luce che dimostra che qui non c’è affatto un approccio irrazionale. Si tratta piuttosto di un “gioco con le ombre” che testimonia il desiderio di creare “fisicità” dello spazio: l’ombra è il risultato dell’interazione tra “presenza” e luce e questo continuo alternarsi e variare di intensità, segue una logica, una ratio, che è appunto quella della costruzione di uno spazio ipotetico oltre la superficie.
Riassumendo: l’analisi formale mi dice che non c’è istintualità nella disposizione ma un controllo attento dell’effetto, dello spessore, dell’alternarsi di campi e tratti; i gradi di luce vengono fuori dialogando con i gradi del buio e così la fisicità emerge dalla superficie e la materia cromatica crea lo spazio. Il paradosso visuale è che questi piccoli disegni hanno corpo e fisicità, scavano spazio e costruiscono strutture oltre una esigua superficie quando, a distanza, apparirebbero casuali.
Questo processo porta osmoticamente, dolcemente, senza fratture verso un approccio percettivo singolare: entrare nel gioco visuale a tentare di distinguere forme, di cercare “chiarezza”; ma l’obiettivo qui non è cercare “chiarezza” di un simbolo o di un significato ma “condurci” alla ricerca di una strada che possa portarci all’essenza della stessa immagine. L’opera non è ciò che vediamo o non vediamo, ma la strada che percorriamo cercando. L’obiettivo sembra quello di farci ripercorrere ciò che l’artista ha pensato mentre costruiva e si avventurava lei stessa in quella strada, lasciandoci così, fuori dal tempo dentro la percezione più che dentro un possibile significato.
Questa “finezza” cioè il lasciarci lì, sospesi a cercare piuttosto che arrestarci alla pretesa di definire, è una delle grandi qualità e novità di un’arte che intenda essere realmente contemporanea. Il “contemporaneo” non è mai definizione di qualcosa, proprio perché esso vive e si costruisce con noi e le nostre scelte: un’arte contemporanea che pretenda di fissare qualcosa, di definire, di definirsi come tale o rappresentare è qualcosa di incongruente con lo stato esistenziale del vivere la contemporaneità. L’arte contemporanea, come questa è, è una ipotesi di senso: provare a darlo, ad offrirlo, non so, con simbologie, rappresentazioni o quant’altro, è intenzione legittima, ma riduttiva.
L’approccio più raffinato che possa darci l’arte che abita tra noi, è esattamente il “metterci” nella ricerca, disporci a farci cambiare luogo, a far trasmigrare la mente e le sensazioni dal logico al possibile. Pretendere e dichiarare sono illusioni potenzialmente presuntuose; farci vivere la ricerca del senso è un atto d’amore e di rispetto che ci incoraggia a guardare la realtà in modo differente, non funzionale, non assertivo.
I lavori di Anzhelika fanno questo “ci costruiscono” una condizione percettiva, cambiano la disposizione delle cose e riescono a farlo con il “minimo” dell’arte stessa: bianco, nero e i loro dialoghi di luce, all’interno dei quali l’occhio è chiamato a viaggiare e a perdere l’orientamento: e noi, con lui. E’ questo l’effetto creato anche dalle Abandoned roads, sospese: le loro dimensioni portano, all’interno dello spazio fisico che attraversiamo, la contraddizione: infatti la texture dei segni (ancora di altissima vibrazione nel gioco frantumato della luce, nella dissoluzione delle profondità prospettiche delle geometrie del luogo) funziona come una sorta di “interruttore” capace di spegnere e accendere la percezione coerente dello spazio fisico in cui entriamo. Ecco che, grazie a questi lavori, ci troviamo in un luogo in cui convivono realtà e immaginazione, che corrode il reale senza negarlo, che destabilizza la percezione “sospendendola” dal reale. Poi, spingendoci verso i piccoli disegni, anche il tempo si sospende perché ad essi dobbiamo dedicare uno sguardo profondo e durevole.
Se l’arte è capace di questo, a cosa mai serve pretendere di “rappresentare” ciò che si cerca quando invece possiamo vivere la ricerca? Essa ci porta nell’unica vera condizione dell’ “essere contemporanei”: osservare e recuperare la nostra “partecipazione” profonda a quel che sta accadendo.
NOSTOS ALGOS
3.09.2022 - 18.09.2022
Cappella Marchi | Seravezza (LU), Italy
EN
Anzhelika Lebedeva's first solo exhibition, curated by Lorenzo Belli.
The exhibition will be held between 3 September 2022 and 18 September 2022 from Saturday through Sunday 6:00-8:30 pm at the Spazio Cappella Marchi, the Church of Madonna Del Carmine in Seravezza (LU), Italy.
The exhibition "NOSTOS ALGOS" featuring Anzhelika Lebedeva's works will open on Saturday 3 September 2022 at 7pm at the Spazio Cappella Marchi in Seravezza (LU), Italy.
Contacts:
info@alkedo.org
tel: +393755686211
IT
Mostra personale di Anzhelika Lebedeva a cura di Lorenzo Belli
Dal 3 al 18 settembre 2022 dal sabato alla domenica 18:00-20:30 – Spazio Cappella Marchi, Chiesa Della Madonna Del Carmine, via Gino Lombardi 38, Seravezza (LU)
Sabato 3 settembre 2022 alle ore 19 verrà inaugurata la mostra "Nostos Algos" di Anzhelika Lebedeva a cura di Lorenzo Belli allo Spazio Cappella Marchi presso la Chiesa della Madonna del Carmine di Serravezza(LU).
Contatti:
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tel:+393755686211
La leggerezza per me si associa con la precisione e la determinazione, non con la vaghezza e l’abbandono al caso. Paul Valery ha detto: si deve essere leggeri come l’uccello che vola, e non come la piuma.
Italo Calvino, Lezioni Americane
